Il dipinto è uno dei quadri più importanti della raccolta, opera del parmigiano Michele Rocca (1670 c.-m. dopo il 1751), che a Roma, sua città d’adozione, raccolse intorno a sé un pubblico colto e raffinato. I suoi quadretti da salotto interpretano con spirito paganeggiante tematiche religiose che si traducono in composizioni eleganti e artificiose. Grande importanza viene data alla luce morbida e diffusa che avvolge le figure conferendo loro un senso di eterea indefinitezza. San Sebastiano, bellissimo ed elegante nell’atteggiamento come fosse un Adone, il colore della pelle quasi marmoreo assimilabile a quello di una scultura greca, viene soccorso dalle pie donne, le cui vesti e pettinature raffinate le rendono simili a tre ninfe della mitologia classica. La freccia, simbolo del martirio del Santo, è solo accennata. Tre amorini assistono alla scena da una nuvola la cui materia è intrisa di luce.

Imitazione di uno dei numerosi esemplari sul tema eseguiti dal Sassoferrato (1605-1685), tra i quali la Madonna di Galleria Colonna a Roma. La Vergine, con un lungo velo bianco e le mani incrociate portate al petto in segno di devozione, emerge da un fondo scuro che ne evidenzia la figura. L’incertezza nell’esecuzione delle mani e la stesura piatta del colore fanno pensare ad una copia eseguita da mano ancora inesperta.

Replica, in formato ridotto ma autografa, del dipinto firmato da Agostino Masucci (1691-1748) conservato al Museo Catredalicio di Artoya (Leon).Tinte chiare, dai contrasti attenuati, una pennellata leggera e quasi trasparente, delineano la figura della Madonna, concentrata nella lettura di un libro che regge con molta grazia nella mano destra. La Vergine tiene sul suo grembo il Bambino, avvolto in un bianco e morbido drappeggio. Il Bambino in un gesto di grande amore e intimità poggia il suo capo sulla spalla sinistra della madre.

Presso la Pinacoteca Rambaldi sono conservati quattro paesaggi di Antonio Morghen (1788-1853) , figlio del celebre incisore Raffaele Morghen. Le sue opere mostrano un gusto decisamente romantico nella mutevolezza dei valori cromatici e della luce a seconda delle diverse stagioni ed ore del giorno. L’artista cura attentamente la cadenza della luce su ogni singolo elemento della natura, conferendo al dipinto una grande ricchezza cromatica. La vegetazione è ispida e selvaggia. Le presenze umane, piccole e rare, sono solo secondarie rispetto alla grandiosità del paesaggio. Grazie ad un uso apparentemente spontaneo del colore e a pennellate rapide il pittore riesce a catturare un attimo fugace, dietro il quale vi è in realtà un attento studio compositivo.

Presso la Pinacoteca Rambaldi sono conservati quattro paesaggi di Antonio Morghen (1788-1853) , figlio del celebre incisore Raffaele Morghen. Le sue opere mostrano un gusto decisamente romantico nella mutevolezza dei valori cromatici e della luce a seconda delle diverse stagioni ed ore del giorno. L’artista cura attentamente la cadenza della luce su ogni singolo elemento della natura, conferendo al dipinto una grande ricchezza cromatica. La vegetazione è ispida e selvaggia. Le presenze umane, piccole e rare, sono solo secondarie rispetto alla grandiosità del paesaggio. Grazie ad un uso apparentemente spontaneo del colore e a pennellate rapide il pittore riesce a catturare un attimo fugace, dietro il quale vi è in realtà un attento studio compositivo.

Il dipinto è attribuito ad un pittore del XVIII secolo. In un paesaggio campestre si vedono in primo piano le figure di uno zampognaro e di un bambino che accompagna il suono della zampogna con il suo canto. Nell’angolo destro in primo piano si vede un cagnolino bianco. Sullo sfondo si nota una capanna verso la quale si incammina un pastore. In lontananza, sulla sinistra, si scorge un piccolo agglomerato di case.

Il dipinto è firmato e datato “F. Bensa 1849”. Francesco Bensa (1830 c.-noto sino al 1880), di origine nizzarda ma attivo specialmente a Firenze, mostra nei suoi paesaggi una particolare attenzione nei confronti dei diversi fenomeni della natura. L’acquerello raffigura un fiume ghiacciato sovrastato in lontananza da un ponte. Alcune figure sembrano passeggiare o pattinare sulla superficie. Al di là del ponte si scorgono sui due lati gruppi di case. Il cielo è terso. La carta acquerellata purtroppo si è ingiallita, alterando i colori del dipinto.

Il dipinto riporta sul retro la seguente iscrizione “D. Castellini / fece 1850 / Ritratto del Sacerd.e Stef. Paolo Rambaldi / N. Rettore del Seminario Arcivesc.le di Firenze nell’anno XLI dell’età sua”. Dario Castellini (not. 1850-1880), originario di Carpi, lavorò come ritrattista specialmente a Firenze, dove entrò a far parte del vivace entourage artistico con il quale venne in contatto il Rambaldi nella prima metà dell’Ottocento. Il ritratto è piuttosto convenzionale: il sacerdote, con indosso l’abito talare, viene raffigurato a mezzo busto, di tre quarti, seduto su una poltrona di velluto rosso. Dal fondo bruno si dipana un fascio di luce volto ad illuminare il viso dal bianco incarnato. Nella mano sinistra Rambaldi tiene un libro di colore verde che rimanda alla sua vita di studi.

Copia parziale dell’autoritratto degli Uffizi dipinto da Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) in età giovanile, intorno al 1634. L’autoritratto è a mezzo busto, coi folti capelli ricci che incorniciano il volto e un baschetto scuro sul capo. La veste, resa con estrema cura e attenzione al dettaglio, termina con una goletta d’acciaio e un colletto bianco in pizzo. Grande è l’introspezione psicologica dell’artista, che cerca di cogliere, attraverso l’espressione del volto, la complessità della propria psiche.

La tavola in rame, opera del pittore bolognese Giuseppe Maria Crespi (1665-1747), raffigura una giovane suonatrice di mandola, con i capelli avvolti in un bianco turbante, un abito semplice che rimanda ad una fanciulla del popolo ed un paesaggio non ben definito alle sue spalle. Purtroppo il soggetto risulta quasi illeggibile a causa dello sgretolamento del colore e del conseguente deperimento dell’opera stessa.